Najnowsze wpisy, strona 68


Front Line Assembly - Gashed Senses &...
05 lutego 2023, 18:07

Gashed Senses & Crossfire - piąty album studyjny synth popowo-industrialnej formacji, Front Line Assembly, nagrywany w studiu Ltd. Vision w Vancouver, ukazał się 1 kwietnia. 1989 roku. Wydawnictwo zawiera dziesięć utworów utrzymanych w stylistyce synth popowo-industrialnej, poczynając od otwierającego setlistę singlowego No Limit, poprzez utwory Antisocial, Hypocrisy, Big Money, Bloodsport, Foolsgame (w stylu przypominającym dokonania Depeche Mode z albumów Construction Time Again i Some Great Reward), po singiel, który ukazał się jeszcze w listopadzie 1988 roku, Digital Tension Dementia. Wszystkie są dynamicznymi utworami o synth popowej strukturze z elementami cold-wave i dark-wave, co było dość charakterystyczne dla stylu Front Line Assembly szczególnie w tamtym okresie.
   Wspomniany singlowy utwór, Digital Tension Dementia, okazał się sukcesem komercyjnym windującym singiel na 45. miejscu US Dance Club Songs amerykańskiego Billboardu, co również przyniosło albumowi Gashed Senses & Crossfire sporą popularność.
Bardziej mrocznym i chłodnym obliczem albumu są Hypocrisy i Shutdown (z wykorzystaniem dialogów z filmu Hamburger Hill, 1987, reż. John Irvin), numery bliskie klimatom gotyckim. Doskonałym punktem finałowym jest mroczny, industrialny utwór zamykający album, Sedation, mocno przypominający dokonania Cabaret Voltaire z połowy lat 80. W zasadzie jedynym eksperymentalnym momentem albumu jest instrumentalny numer, Prayer.
   Gashed Senses & Crossfire jako całość prezentuje się jednak dość przystępnie ze względnie mocnymi, acz łagodnymi jeszcze partiami wokalnymi Billa Leeba oraz ze sporym pierwiastkiem popowym w strukturze muzycznej, jaki cechował wiele albumów z gatunku synth pop wydawanych przez różne zespoły w latach 80. Prawdziwe mocne uderzenie w twórczości Front Line Assembly stopniowo miało dopiero nadejść.
   Gashed Senses & Crossfire jest też ostatnim albumem Front Line Assembly z udziałem klawiszowca Michaela Balcha, którego miejsce zajął Rhys Fulber mający już swój udział również przy tworzeniu albumu Gashed Senses & Crossfire (programowanie). Z kolei Michael Balch zasilił szeregi formacji Ministry.
Pojawienie się Fulbera miało także wpływ na późniejszy, znacznie cięższy charakter muzyki Front Line Assembly.
 
Tracklista:
 
1. "No Limit" 4:53
2. "Antisocial" 4:41
3. "Hypocrisy" 3:48
4. "Shutdown" 5:24
5. "Prayer" 3:29
6. "Digital Tension Dementia" 4:46
7. "Big Money" 4:15
8. "Bloodsport" 5:55
9. "Foolsgame" 3:36
10. "Sedation" 3:56
 
Personel:
 
Bill Leeb – production, vocals, electronic instruments
Michael Balch – production, engineering (1, 6, 7), electronic instruments
Muzycy dodatkowi:
Dave Hall – bass (9)
 
Written by, © copyright October 2013 by Genesis GM.
U 96 - Replugged, 1993;
05 lutego 2023, 17:59

Replugged - drugi album studyjny niemieckiej formacji U96 dowodzonej przez Alexa Christensena, wydany 7 czerwca 1993 roku po wielkim sukcesie debiutanckiego albumu, Das Boot, pierwszego światowego szlagieru muzyki techno, który wywarł niebagatelny wpływ na scenę klubową w latach 90.
Na albumie Replugged muzycy znacznie bardziej rozszerzyli swoje muzyczne horyzonty, inspirując się muzyką z kręgu synth z lat 80., połączyli nowoczesny beat ze starymi retrospektywnymi brzmieniami syntezatorów Mooga, house'ową sekcją rytmiczną ,,na czasie" z ,,niemodnymi" wówczas brzmieniami z lat 80. Nowością jest wokalny debiut Alexa Christensena, dzięki czemu numery nabierają jeszcze bardziej przyswajalnego charakteru, a wręcz przebojowości podkreślanej przez melodyjne refreny i ciepły głos wokalisty.
   Replugged w krótkim czasie powtórzył sukces komercyjny albumu Das Boot, stając się światowym przebojem głównie za sprawą utworów singlowych, jak Love Sees No Colour, numer będącego połączeniem stylu house i brzmień lat 80. Utwór był nieprzypadkowy i dość osobisty dla Alexa Christensena, bowiem nawiązywał do jego ówczesnego życiowego związku z ciemnoskórą holenderską dj-ką, Daisy Dee. Drugim z przebojowych singli albumu jest Night In Motion, utrzymany bardziej w klimacie ówczesnej sceny electro-dance, z charakterystyczną chwytliwą syntezatorową solówką i przebojowym refrenem.
Reszta albumu prezentuje muzykę electro o różnorodnych obliczach. Otwierający album utwór War Of The Worlds jest electro-house'ową przeróbką standardu rocka elektronicznego, The Eve of the War z 1978 roku, pochodzącego z repertuaru Jeffa Wayne'a, w którym oryginalny tekst i partię wokalną zastąpiono niemieckojęzyczną narracją. Linie melodii, choć syntezatorowe, utrzymane są dość blisko oryginalnym, retrospektywnym brzmieniom.
Kompozycja The Rainbow Factor, podobnie jak Love Sees No Colour, łączy nowoczesny beat sekcji rytmicznej z retrospektywnymi syntezatorowymi brzmieniami lat 80. Je Suis Selected, podobnie jak Night In Motion, utrzymany jest w stylistyce muzyki klubowej lat 90., zaś You Make Me Wonder podchodzi nawet pod styl nurtu EBM.
   Z mocniejszych uderzeń, kompozycje Feel Like A Dum Dum i Brainkiller, penetrują rejony rave i industrialu. Bardziej klasycznym numerem o house'owej strukturze jest nieco delikatniejsza i minimalistyczna, za to utrzymana w niezwykle szybkim tempie, kompozycja Young Girls.
Nie brakuje też spokojnych i nostalgicznych momentów w postaci utworu The One Russian utrzymanego w klimacie dark-ambientu połączonego z tradycyjnym baletem rosyjskim. Chwile spokoju i relaksu zapewnia tytułowy Theme From Unplugged (Part 1 & 2) składający się z dwóch części - pierwszej, ambientowej i drugiej, ambientowo-industrialnej. Kończący album utwór Without You jest powrotem do klimatów z albumu Das Boot, konkretnie - I Wanna Be a Kennedy.
   Album Replugged nie tylko osiągnął sukces na miarę Das Boot, ale okazał się przede wszystkim kamieniem milowym muzyki electro i house lat 90., jak i następnej dekady. To najprawdopodobniej najlepszy house'owy album w historii muzyki, a na pewno jest jednym z najbardziej kultowych wydawnictw lat 90., do którego z miłą chęcią i nostalgią powraca się nawet po dwudziestu latach.
   W 1993 roku album dotarł do 5. miejsca listy bestsellerów w Austrii, w Szwajcarii dotarł do 18. miejsca, w Niemczech osiągnął 21. pozycję, na Węgrzech dotarł do 24. miejsca, zaś w Szwecji notowany był na 33. miejscu Top 50 Albums. W Polsce, single Love Sees No Colour i Night in Motion były wielkimi przebojami stacji radiowej Eska.
 
Tracklista:
 
1. „War of the Worlds” 4:56
2. „Love Sees No Colour” 3:45
3. „Young Girls” 3:21
4. „Night in Motion” 4:15
5. „The Rainbow Factor” 3:35
6. „You Make Me Wonder” 3:08
7. „Theme From „Replugged” (Part I, Part II)” 5:14
8. „Je Suis Selected” 3:25
9. „Feel Like a Dum Dum” 2:31
10. „The One Russian” 3:06
11. „Brainkiller” 4:32
12. „Without You” 4:54
 
Personel:
 
Artwork [Grafik] – Christof Berndt
Cover – Neue Hülle
Mixed By – Jeo (tracks: 8 to 12), Matiz / AC 16 (tracks: 1 to 5)
Producer – Matiz / AC 16
Written-By – AC-Beat* (tracks: 2 to 12), Lagonda* (tracks: 2 to 12), Castioni* (tracks: 2 to 12), Wycombe* (tracks: 2 to 12)
 
Written by, © copyright October 2013 by Genesis GM.
Dave Gahan - Paper Monsters, 2003;
05 lutego 2023, 00:57

Paper Monsters - debiutancki solowy album studyjny Dave'a Gahana, wokalisty Depeche Mode, który dotąd nie miał specjalnej okazji udzielać się jako autor własnych kompozycji. Co prawda artysta podczas sesji nagraniowej do albumu Depeche Mode, Ultra, w 1996 roku, zaproponował własną kompozycję zatytułowaną roboczo Closer, jednak została ona w całości odrzucona przez Martina Gore'a.
   Wraz z wydaniem przez Depeche Mode albumu Exciter i związaną z nim światową trasą koncertową, Exciter Tour (2001), napięcie między Dave'em Gahanem i Martinem Gore'em zaczęło poważnie narastać. Dave miał pretensje zarówno o rolę Andrew Fletchera w zespole, jak i o nieprzejednane stanowisko Martina dotyczące wkładu kompozytorskiego (a raczej jego braku) Dave'a do albumów Depeche Mode. O solowym albumie Gahana zaczęto więc mówić już od dłuższego czasu. Pod koniec 2002 roku Dave pozyskał zaprzyjaźnionych muzyków, Knoxa Chandlera (gitary, bass, sample, programowanie, autor muzyki do wszystkich utworów), a także Victora Indrizzo (perkusja). Poza partiami wokalnymi Dave sam też zagrał na klawiszach i harmonijce ustnej, udowadniając tym samym, że nie jest muzycznym analfabetą za jakiego go uważano. Wraz z producentem Kenem Thomasem znanym z bliskiej współpracy z alternatywno-rockowym zespołem Sigur Rós, muzycy weszli na początku 2003 roku do nowojorskiego studia Electric Lady, efektem czego był debiutancki album Dave'a Gahana, Paper Monsters, którego światowa premiera nastąpiła 2 czerwca 2003 roku.
   Miesiąc wcześniej jednak światło dzienne ujrzał pierwszy w dorobku Gahana singiel, Dirty Sticky Floors, z chwytliwą i pulsującą syntezatorową konstrukcją piosenki połączoną z melodyjnym riffem gitary z dopełnieniem przez przebojową linię wokalną. Choć numer w sekcji rytmicznej, gitarowym riffie i w sekcji wokalnej (w refrenie) ewidentnie bazował na wielkim przeboju formacji EMF z 1990 roku, Unbelievable, w znacznym stopniu nawiązywał bezpośrednio do twórczości Depeche Mode; miał w sobie jednak przede wszystkim potencjał komercyjny hitów Just Can't Get Enough i It's No Good i, choć mógł razić nachalnym popem, Dave udowodnił, że podobnie jak Martin, on również ma zdolności do tworzenia przebojowych numerów. Skutecznie, bowiem singiel okazał się komercyjnym sukcesem notując 18. miejsce na brytyjskiej liście przebojów oraz 3. i 7. miejsce na listach zestawień amerykańskiego Billboardu w kategoriach Dance Club Songs i Dance Singles Sales. Ponadto singiel wysoko notowany był m.in. w Niemczech (6. miejsce) czy we Włoszech, gdzie dotarł do 7. miejsca.
   Jeżeli jednak ktoś szukałby na Paper Monsters łatwych, chwytliwych, tanecznych i przebojowych piosenek, musiałby się sromotnie rozczarować. Nie takie były intencje Dave'a.
   Tytuł Paper Monsters jest wyrazem chęci ostatecznego rozliczenia się artysty z trudną przeszłością, przede wszystkim z kilkuletnim uzależnieniem od kokainy jakie trapiło Dave'a w latach 90., które zresztą nieomal go zabiło i, z którego niemal cudem wyszedł. Jednocześnie Dave nagrywając album Paper Monsters chciał odciąć się muzycznie od twórczości macierzystego zespołu, chociaż w głównej mierze muzyka oparła się na elektronice, niewiele jest w niej odwołań do brzmienia Depeche Mode, tym samym Dave chciał udowodnić swoją artystyczną niezależność i odrębność.
   Po otwierającym album przebojowym Dirty Sticky Floors, zagłębiając się dalej w płytę, jest bardziej sentymentalnie i chłodno, gdzie elektronika napotyka na śmiałe - o wiele śmielsze niż w przypadku Depeche Mode - elementy bluesa. Próbkę takich możliwości dostarcza drugi numer płyty, Hold On, pochodzący z podwójnego singla, Bottle Living/Hold On, będący połączeniem luźnych bluesowych riffów gitarowych i trip-hopu w sekcji rytmicznej z melancholijnym wokalem Gahana.
   A Little Piece, o trip-hopowej sekcji rytmicznej i symfonicznej, smyczkowej strukturze melodii, jest numerem wyciszającym, po którym następuje mocne uderzenie w postaci utworu Bottle Living, pochodzącego z podwójnego singla Bottle Living/Hold On. Bottle Living jest przebojowym, electro-bluesowym numerem nawiązującym stylistycznie do przeboju Depeche Mode, I Feel You. Zresztą Bottle Living, w odróżnieniu od Dirty Sticky Floors, śmiało mógłby firmować twórczość Depeche Mode, a Dave tym utworem udowadnia swój kompozytorski geniusz dorównujący Martinowi. Numer również namieszał na listach przebojów docierając m.in. do 13. miejsca Dance Singles Sales amerykańskiego Billboardu, 19. miejsca w Niemczech i 36. miejsca w Wlk. Brytanii.
   Odważną symfoniczno-bluesową kompozycją jest Black and Blue Again, po której następuje kolejne wyciszenie w postaci przepięknej, symfoniczno-romantycznej ballady, Stay.
   Kolejnym z singlowych numerów jest utaneczniony I Need You, nadający nieco pogodniejsze, electro-popowe oblicze albumowi. Singiel dotarł m.in. do 5. i 8. miejsca list Dance Club Songs i Dance Singles Sales w zestawieniach Billboardu, 11. miejsca w Hiszpanii, 23. miejsca w Niemczech, 27. miejsca w Wlk. Brytanii czy 35. miejsca we Włoszech.
   Bitter Apple dla odmiany jest kolejną niezwykle melancholijną kompozycją będącą mariażem symfonicznej, smyczkowej przestrzeni z delikatną trip-hopową sekcją rytmiczną.
   Hidden Houses, o rockowo-elektronicznym charakterze, to zdecydowanie najlepszy utwór tego albumu; kompozycja nawiązuje do najlepszych wzorców z albumu Songs of Faith and Devotion.
   Finałowa kompozycja, Goodbye, oparta jest na bardziej eksperymentalnym brzmieniu elektronicznym w stylu lat 70., jednak pod sam koniec utworu artysta robi coś, czego nie robił wcześniej, ani potem - zapuszcza się w klimat hard-rocka z ostrym riffem gitary i mocnym, rockowym uderzeniem żywej sekcji perkusyjnej - tylko przez około trzydzieści sekund, po czym szybko wraca do wyciszającego refrenu ,,Goodbye".
   Album Paper Monsters został przyjęty z mieszanymi uczuciami, przede wszystkim część krytyków zarzucała mu nierówność, jednakże wydawnictwo zostało ciepło przyjęte przez słuchaczy (debiut na 36. miejscu listy albumów w Wlk. Brytanii), zaś wszystkie trzy single, Dirty Sticky Floors, I Need You i Bottle Living / Hold On, szturmowały listy przebojów. Album promowany był poprzez światową trasę koncertową, Paper Monsters Tour, z której wydane zostało DVD, Live Monsters, oraz singiel, A Little Piece.
   Innymi osiągnięciami Paper Monsters były sukcesy na listach przebojów, jak 5. miejsce w Niemczech (Offizielle Top 100), 10. miejsce na liście European Albums i we Włoszech czy 21. miejsce we Francji. W Polsce album notowany był na 23. miejscu, w Wlk. Brytanii na 36. miejscu, zaś w USA dotarł do 127. miejsca US Billboard 200.
   Niektórzy w związku z ukazaniem się solowego albumu Dave'a Gahana (przy niemal jednoczesnym ukazaniu się solowego albumu Martina Gore'a, Counterfeit²) i dość napiętą atmosferą wewnątrz Depeche Mode, zaczęli wietrzyć rozpad Depeche Mode - nic jednak bardziej mylnego. Solowe wydawnictwo pozwoliło Dave'owi na odkrycie własnego talentu przy jednoczesnym pogodzeniu roli jaką pełnił w Depeche Mode. Co więcej, Martin Gore ostatecznie przekonał się do potencjału twórczego Gahana, powierzając mu komponowanie części repertuaru zespołu, poczynając od albumu Playing The Angel (2005), zaś sami muzycy wyraźnie nabrali jeszcze większej zażyłości i szacunku do siebie nawzajem.
   Paper Monsters tym samym być może uratował Depeche Mode przed groźbą rozpadu - i to jest przede wszystkim największą zasługą tego wydawnictwa!
 
Tracklista:
 
"Dirty Sticky Floors" – 3:32
"Hold On" – 4:17
"A Little Piece" – 5:10
"Bottle Living" – 3:31
"Black and Blue Again" – 5:41
"Stay" – 4:17
"I Need You" – 4:45
"Bitter Apple" – 5:59
"Hidden Houses" – 5:01
"Goodbye" – 5:54
 
Personel:
 
Dave Gahan – vocals, keyboards, Fender Rhodes, harmonica, glockenspiel
Knox Chandler – guitars, dulcimer, cellos, basses, keyboards, sampler, vibraphone, programming, all string arrangements
Victor Indrizzo – drums (tracks 3, 5, 9)
Paul Garisto – drums (tracks 4, 9, 10)
Doug Petty – piano (tracks 3, 6)
Dee Lewis – backing vocals (track 1)
Jane Scarpantoni – cello
Antoine Silverman, Maxim Moston, Joan Wasser – violins (tracks 3, 5)
David Gold – viola (tracks 3, 5)
Jolyon Thomas – tambourine, tom (track 6)
John Collyer – programming
Ekipa techniczna:
Ken Thomas – production, mixing
Jonathan Adler – recording engineering
Jack Clark – mix engineering
Mike Marsh – mastering
 
Written by, © copyright October 2013 by Genesis GM.
Yello - Touch, 2009;
05 lutego 2023, 00:51

Touch - dwunasty studyjny album szwajcarskiej formacji Yello (poprzedzony limitowanym minialbumem Progress and Perfection, 2007), wydany 2 października 2009 roku, na którym muzycy powracają do bardziej wokalno-piosenkowej koncepcji muzyki. Jest to zresztą powrót w doskonałej formie, czego przykładem są tak znakomite kompozycje, jak otwierający album, The Expert, jazzująco-funkowo-soulowy numer z charakterystyczną dla Dietera Meiera perfekcyjną melorecytacją. W podobnym stylu utrzymane są także utwory Out of Dawn, Part Love oraz, najpiękniejszy z nich, Friday Smile, z niesamowitą, głęboką partią wokalną Dietera Meiera. Utwór jest odprężający, utrzymany w stylistyce bossa novy - to numer wart wszystkich wielkich przebojów Yello.
   Podobnie jak było w przeszłości, także i tu muzycy Yello nawiązali współpracę z wokalistką; tym razem padło na utalentowaną szwajcarską piosenkarkę jazzową młodego pokolenia, Heidi Happy, która zaśpiewała w dwóch piosenkach - trip-hopowo-jazzowej You Better Hide oraz kojąco-melancholijnej trip-hopowej kompozycji Stay. Heidi Happy doskonale sprawdziła się również w duetach, z Dieterem Meierem w house'owo-funkowej kompozycji Part Love oraz z Borisem Blankiem w romantycznej, jazzowo-soulowo-funkowej piosence o trip-hopowej rytmice oraz z wpływami latin popu, Kiss in Blue.
   I właśnie wokalny powrót Borisa Blanka, który w charakterze ,,pierwszego wokalu" po raz ostatni wystąpił 21 lat wcześniej na albumie Flag, jest największym miłym zaskoczeniem albumu. Boris Blank zaskakuje niezwykle dojrzałą, czystą i ciepłą barwą głosu, jakiej nie prezentował nawet w latach 80. Słychać wyraźnie, że przez 20 lat Boris Blank wokalnie wcale nie próżnował, doskonaląc kunszt. We wspomnianym utworze, Kiss in Blue, artysta doskonale odnajduje się w jazzowym repertuarze, wręcz idealnie współgra z partiami wokalnymi Heidi Happy.
   Jakby tego było mało, Boris Blank śpiewa jeszcze dwie inne piosenki (rzecz dotąd niespotykana na poprzednich albumach Yello), trip-hopowo-jazzową Tangier Blue (delikatnie, niemal półszeptem) oraz przepiękną ozdobę całego albumu, lekko funkowo-jazzowo-soulową kompozycję Trackless Deep z dynamiczną, latynoską partią gitary i rytmem sekcji perkusyjnej kojarzącym się z klimatami z albumów One Second (1987) i Baby (1991). W refrenie Borisa Blanka chórkami wspiera Dieter Meier.
   Na albumie Touch Yello powraca do kompletniej staroci - do kultowego przeboju, Bostich (Reflected), przearanżowanego na nowoczesny styl electro-minimal, co wydaje się być jednak zabiegiem nieco na siłę.
   Yello nie byliby jednak sobą, gdyby nie zaprezentowali utworów instrumentalnych. Także i na Touch nie brakuje instrumentalnych kompozycji, jak jazzowo-trip hopowa, Till Tomorrow, ze śladowym wkładem wokalnym Meiera; jazzowa, Vertical Vision, z chłodnymi jesiennie brzmiącymi solówkami klawiszy; będąca mariażem electro, latin popu i jazzu, Electric Frame, z głębokim podkładem gitary basowej, jazzowymi solówkami klawiszy i długimi partiami saksofonu, zresztą wszystkie instrumentalne kompozycje charakteryzują długie, jazzowe partie saksofonu w gościnnym wykonaniu Tilla Brönnera.
   Album zamyka blisko 9-minutowy ambientowy utwór o charakterystyce folkowo-orientalnej, Takla Makan, z popisowymi partiami fletu w gościnnym wykonaniu Dorothee Oberlinger.
   Album Touch przyniósł Yello niemały sukces komercyjny; w rodzimej Szwajcarii wydawnictwo było numerem jeden i z wynikiem 15 tys. sprzedanych egzemplarzy zdobyło status Złotej Płyty na tamtejszym rynku muzycznym. Album cieszył się również uznaniem poza Szwajcarią, m.in. docierając do 20. miejsca zestawienia Offizielle Top 100 w Niemczech, czy 35. miejsca w Austrii.
   Wysokie pozycje na listach przebojów albumu Touch dowodziło, iż weterani synth popu ciągle są w dobrej formie twórczej, zaś z Yello czyniło najważniejszego wykonawcę z kręgu muzyki elektronicznej, obok wykonawców pokroju Depeche Mode, New Order czy Kraftwerk.
 
Tracklista:
 
1. "The Expert" 2:55
2. "You Better Hide (feat. Heidi Happy)" 4:15
3. "Out of Dawn" 3:13
4. "Bostich (Reflected)" 3:57
5. "Till Tomorrow (feat. Till Brönner)" 4:17
6. "Tangier Blue" 2:42
7. "Part Love" 3:42
8. "Friday Smile" 3:36
9. "Kiss in Blue (feat. Heidi Happy)" 3:34
10. "Vertical Vision (feat. Till Brönner)" 4:18
11. "Trackless Deep" 3:20
12. "Stay (feat. Heidi Happy)" 3:02
13. "Electric Frame (feat. Till Brönner)" 3:36
14. "Takla Makan (feat. Dorothee Oberlinger)" 8:33
 
Personel:
 
Composed, Arranged, Engineered by Boris Blank
Lyrics by Dieter Meier
Vocals, Composed [Vocal Melodies] by Boris Blank, Dieter Meier
Mastered by Ursli Weber
Photography by Dieter Meier, Johannes Ritter, Martin Wanner, Roman Lehmann
Design [Cover] by Martin Wanner
 
Written by, © copyright October 2013 by Genesis GM.
Recoil - Bloodline, 1992;
05 lutego 2023, 00:46

Bloodline - trzeci album Recoil, formacji, za którą stoi [były obecnie] klawiszowiec Depeche Mode, Alan Wilder. Album nagrywany był w Konk Studios w Londynie między styczniem a marcem oraz między październikiem a grudniem 1991 roku, jego premiera nastąpiła 14 kwietnia 1992 roku.
Niezwykle wyczerpująca światowa trasa koncertowa, World Violation Tour, promująca w 1990 roku album Depeche Mode, Violator, spowodowała ogólne zmęczenie muzyków zespołu. Martin Gore zdołał jeszcze skomponować w 1991 roku premierowy utwór, Death's Door, który znalazł się na soundtracku, Until the End of the World (ostatecznie numer wszedł na singiel Depeche Mode, Comdemnation, jako strona B w 1993 roku), po czym jednak postanowił wyraźnie sobie odpocząć. Dave Gahan coraz bardziej popadał w heroinowy nałóg, zostawiając rodzinę, pakując walizki, udał się do Los Angeles, by wywrócić swoje życie do góry nogami, zaś Andy Fletcher kontynuował kurację antydepresyjną w klinice psychiatrycznej. W tej sytuacji, nieznoszący próżni Alan Wilder wziął się za produkcję albumu Nitzer Ebb, Ebbhead, oraz skupił się na nagraniu trzeciego autorskiego wydawnictwa pod szyldem Recoil, Bloodline.
   Już w styczniu 1991 roku Alan wszedł do Konk Studios w Londynie, by zgrywać nowy materiał. Tym razem muzyk po raz pierwszy zmienił koncepcję swojej twórczości z dotychczasowej czysto instrumentalnej na wokalną, zapraszając zaprzyjaźnionych wokalistów, w tym Douglasa McCarthy'ego z Nitzer Ebb ,,pozyskanego" w trakcie współpracy nad produkcją albumu Ebbhead, awangardową wokalistkę Toni Halliday z formacji Curve oraz mało jeszcze wówczas znanego muzyka, Richarda Melville'a Halla, którego światowa sława miała dopiero nastąpić pod pseudonimem Moby.
   Podobnie jak Martin Gore na swoim solowym debiucie (minialbum Counterfeit, 1989), także i Alan sięgnął po przeróbkę, konkretnie po utwór z repertuaru Sensational Alex Harvey Band, Faith Healer, otwierający album, będący de facto zapowiedzią kierunku w jakim podąży macierzysta formacja Alana Wildera, Depeche Mode, na kolejnym albumie. Faith Healer z wokalem Douglasa McCarthy'ego jest połączeniem mocnych syntezatorowych pulsów, gitarowych sampli z - w istocie rockową - sekcją perkusyjną.
   Electro Blues for Bukka White jest syntezatorowym hołdem dla legendarnego amerykańskiego bluesmana z Delty Mississipi, Bukki White'a. Utwór jest kombinacją house'u, electro i minimalu z wplecionymi samplami z narracją Bukki White'a. W utworze wykorzystano sample pianina z utworu Davida Bowie'ego, Aladdin Sane. Kompozycja zawiera również finalne, eksperymentalne jednominutowe interlude.
   Instrumentalny, The Defector, być może jest najlepszym numerem albumu. Utwór ma minimalistyczno-house'ową strukturę, cechującą twórczość Cabaret Voltaire z albumów Body And Soul i Plasticity, oraz wyraźną stylistykę Kraftwerk z okresu albumu Electric Cafe, co daje się wyczuć w przetworzonym przez wokoder głosie Alana Wildera. Nie ma tu jednak przypadku, bowiem sam Alan chciał w ten sposób oddać hołd pionierom synth popu, a przy okazji także swojemu ulubionemu zespołowi, Kraftwerk. W utworze wykorzystano sample głosu Anthony'ego Hopkinsa z filmu Milczenie Owiec (reż. Jonathan Demme).
   Czysto synth popowe kompozycje, Edge To Life oraz tytułowa Bloodline, są śpiewane przez Toni Halliday; pierwsza z nich, z funkowo-soulową nutą, zbliżona jest klimatem do twórczości New Order, Pet Shop Boys i Cabaret Voltaire; Bloodline z kolei jest bardziej retrospektywna, nawiązująca do klimatu Depeche Mode z albumu Music For The Masses. W interlude kompozycji wykorzystano motywy ze ścieżki dźwiękowej kultowej serialowej produkcji, Twin Peaks (reż. David Lynch).
   Curse, z introdukcją z basowymi syntezatorowymi efektami fretless w stylu Kraftwerk, jest nawiązaniem do sceny electro początku lat 90. Utwór jest mariażem nowoczesnego electro popu z trip hopową rytmiką oraz z hip-hopem w postaci rapowanego przez Moby'ego tekstu. Także i tutaj na zakończenie pojawia się eksperymentalne jednominutowe minimalistyczne interlude. W utworze, techniką backmasked, użyto motywu ,,Pan jest moim pasterzem" z albumu You Must Be Certain of the Devil (1988), awangardowej amerykańskiej wokalistki, Diamandy Galás.
   Album zamyka instrumentalna Freeze, notabene będąca powrotem do ulubionego przez Alana stylu z utworu Grain pochodzącego z albumu Recoil, Hydrology (1988). Kompozycja oparta jest na fortepianowych solówkach na tle minimalistycznych syntezatorowych pulsów.
   Bloodline, choć nie jest albumem Depeche Mode, jest przykładem ogromnego potencjału jaki wnosił Alan Wilder do twórczości zespołu. Bez jego wkładu inżynierskiego, albumy Music for the Masses, Violator i Songs of Faith and Devotion, brzmiałyby zupełnie inaczej i, być może, nie byłyby tak genialne.
   Album Bloodline, choc nie odniósł sukcesu komercyjnego, okazał się być idealnym wypełnieniem ,,martwego okresu" między albumami Depeche Mode, Violator i Songs of Faith and Devotion. Wydawnictwo wydaje się być również szczytowym osiągnięciem w dyskografii Recoil.
 
Tracklista:
 
"Faith Healer" (vocals: Douglas McCarthy)
"Electro Blues for Bukka White" (vocals: Bukka White)
"The Defector" (instrumental)
"Edge to Life" (vocals: Toni Halliday)
"Curse" (vocals: Moby)
"Bloodline" (vocals: Toni Halliday)
"Freeze" (instrumental)
 
Personel:
 
Alan Wilder – production, instruments
Douglas McCarthy – lead vocals on "Faith Healer"
Toni Halliday – lead vocals on "Edge to Life" and "Bloodline"
Moby – rap on "Curse"
Bukka White – vocals taken from the track "Shake 'Em on Down" and used for "Electro Blues for Bukka White"
Diamanda Galás – vocals (whispering) on "Curse"
Jimmy Hughes – bass guitar on "Edge to Life"
Steve Lyon – engineering
Aaron Trinder – guitar on "Faith Healer"[citation needed]
Dave Eringa – engineering assistant
Martin Atkins, T + CP Associates – sleeve photography and design
 
Written by, © copyright October 2013 by Genesis GM.